O que faz a diferença, então? Boas fotografias não são fotografias perfeitas tecnicamente. As boas fotografias podem ser agradáveis esteticamente, com conteúdo impactante ou eloquentes em suas mensagens. E isso tem a ver com a sensibilidade e criatividade do fotógrafo. Podemos listar algumas possibilidades de aprimorar as fotos que podem ser exploradas com qualquer tipo de câmera. Para ilustrar os pontos, escolhi fotos que não tem nenhum aspecto técnico especial, poderiam ser feitas com qualquer máquina sem grandes diferenças; seu diferencial está na exploração de aspectos que pouco têm a ver com o equipamento.

Derrick Tyson

1. Entenda a luz. A luz é o elemento fundamental de qualquer fotografia. Toda câmera é capaz de captá-la e transformá-la numa imagem bidimensional. Portanto, é útil entender a luminosidade e como ela altera cores, texturas, sombras e formas. Um bem exercício é posicionar um objeto qualquer, como um vaso, e fotografá-lo em diferentes condições de luminosidade, como, por exemplo, deixá-lo sob iluminação natural e fazer fotografias em diversas horas do dia.

Rie Lee

2. Explore o assunto. O que fotografar é a primeira pergunta que todo fotógrafo se faz. Não adianta ter a câmera mais moderna e arrojada do mercado, se vai se fotografar apenas as flores do jardim de casa. Se enxergamos a fotografia como um mero registro, as possibilidades são limitadas. Fotografar é como escrever, e o tema de um texto é mais importante do que a forma como se escreve. Então, o fotógrafo pode ir mais longe se perguntando “o que eu gostaria de contar hoje?”. Certamente você tem ao seu redor coisas muito interessantes a serem transformadas em relatos visuais.

Caesar Sebastian

3. Fortaleça a composição. Ao fotografar, temos uma moldura quadricular na qual podemos organizar, da maneira que quisermos, elementos do mundo que nos cerca. Dependendo de como realizamos essa organização, a mensagem visual pode variar muito. Faça experiências alterando objetos de plano, a posição em que aparecem no quadro, alterando a perspectiva. Perceba como essas mudanças alteram a percepção que temos da cena.

Adam Barlow

4. Use as cores. Ou não. Veja se, para o objetivo da sua fotografia, faz sentido usar as cores ou fotografar em preto e branco. As cores podem ser protagonistas de uma imagem, e podemos construi-la justamente para que isso aconteça. Mas quando queremos dar destaque para formas, texturas e jogos de luz e sombra, pode fazer mais sentido deixá-las de lado. A escolha é sua.

Okinawa Soba

5. Organize as formas. Uma vez que a fotografia é um plano, tudo que está contido nela são formas bidimensionais. Um treino interessante é transformar mentalmente os objetos que vemos no mundo tridimensional nas formas planas em que eles se convertem nas fotografias. Essas formas podem ser arranjadas de maneira a criar contrastes, equilíbrio ou desequilíbrio, harmonia ou incômodo.

Seyed Mostafa Zamani

6. Elabore mensagens. A fotografia é uma forma de comunicação poderosa, uma linguagem visual com a qual praticamente todas as pessoas estão habituadas. Portanto, ela também pode ser usada para expressar diretamente certos conceitos e ideias, muitas vezes com menos limitações do que a linguagem falada ou escrita. Montar mensagens visuais através da fotografia pode ser interessante. No entanto, é desafiador conseguir unir isso à uma estética que não deixem o conceito raso ou banal demais.

Natasha Mileshina

7. Crie. A fotografia não precisa ser só um mero registro. Ela pode ser uma atividade de expressão e satisfação pessoal. A liberdade é total, você pode fotografar o que quiser, como quiser. Portanto, pense em tudo que você quiser dizer, em tudo que quiser mostrar. Sua fotografia é o seu mundo: não haverá nenhuma outra igual. Faça dela a sua cara, sem se prender a padrões estéticos, normas ou regras. Daqui a 20 anos, um horizonte torto ou um pouco de ruído não terão a menor importância; o que importará é o que a sua fotografia diz.

A lei que engloba os trabalhos artísticos, como o fotográfico, é a lei de direitos autorais, nº 9610/98, que pode ser consultada na íntegra no site do Ministério da Cultura.

O artigo 7º diz que “São obras intelectuais protegidas as criações do espírito, expressas por qualquer meio ou fixadas em qualquer suporte, tangível ou intangível, conhecido ou que se invente no futuro” e o inciso VII fala especificamente da fotografia: “VII – as obras fotográficas e as produzidas por qualquer processo análogo ao da fotografia;”

Vejamos o que diz o artigo 22 sobre a natureza dos direitos de autor:

“Art. 22. Pertencem ao autor os direitos morais e patrimoniais sobre a obra que criou.”

Ou seja, os direitos autorais dividem-se entre morais e patrimoniais. Os direitos morais, entre outros, são os de ser reconhecido como autor da obra e ter seu nome publicado na utilização da obra, ou seja, a de receber o crédito na publicação das fotos. Os direitos morais são “inalienáveis e irrenunciáveis”, o que quer dizer que você não pode vender a autoria da foto e o seu nome, como autor, sempre deve constar dos créditos, mesmo que a foto tenha sido vendida ou copiada da internet. Caso alguém publique sua foto sem os devidos créditos, ou com o crédito como “divulgação”, há uma quebra do seu direito de autor.

O artigo 79 fala especificamente da fotografia:

“Art. 79. O autor de obra fotográfica tem direito a reproduzi-la e colocá-la à venda, observadas as restrições à exposição, reprodução e venda de retratos, e sem prejuízo dos direitos de autor sobre a obra fotografada, se de artes plásticas protegidas.

§ 1º A fotografia, quando utilizada por terceiros, indicará de forma legível o nome do seu autor.

§ 2º É vedada a reprodução de obra fotográfica que não esteja em absoluta consonância com o original, salvo prévia autorização do autor.”

Quando você vende uma foto, na verdade está cedendo, total ou parcialmente, os direitos patrimoniais sobre a foto, mediante pagamento. Isso envolve o direito de utilizar, reproduzir, publicar, editar ou adaptar, entre outros. Você pode especificar no contrato de cessão de direitos patrimoniais qual a utilização está sendo cedida, para que fim, por quanto tempo etc. Quem compra não passa a ser dono da foto e sim passa a ter uma espécie de licença para o uso acordado entre as partes. Os direitos de autor cessam 70 anos após a morte, de forma que as obras passam a ser de uso público.

Mais um ponto interessante:

“Art. 48. As obras situadas permanentemente em logradouros públicos podem ser representadas livremente, por meio de pinturas, desenhos, fotografias e procedimentos audiovisuais.”

Ou seja, você pode fotografar livremente obras que estejam na rua, por exemplo, como estátuas, edifícios, shows abertos etc.

Há uma iniciativa para a revisão da lei de direitos autorais, que envolve inclusive uma consulta pública. Para acompanhar o processo da revisão, basta acessar este site. Existem, ainda, aqueles que são contra a existência da propriedade intelectual, como o pessoal do Partido Pirata. Ou seja, a questão dos direitos autorais é polêmica e está sempre mudando, especialmente considerando nosso momento histórico de sociedade baseada na informação e de avanço muito rápido de tecnologias de comunicação e transmissão de dados.

Pois bem, os direitos autorais não se confundem com os direitos à imagem. O direito à imagem é um dos direitos à personalidade, referindo-se ao direito de um indivíduo sobre a sua própria imagem. O artigo 20 do Código Civil diz:

“Art. 20. Salvo se autorizadas, ou se necessárias à administração da justiça ou à manutenção da ordem pública, a divulgação de escritos, a transmissão da palavra, ou a publicação, a exposição ou a utilização da imagem de uma pessoa poderão ser proibidas, a seu requerimento e sem prejuízo da indenização que couber, se lhe atingirem a honra, a boa fama ou a respeitabilidade, ou se se destinarem a fins comerciais.”

Ou seja, não se pode usar comercialmente a imagem de uma pessoa sem autorização. Há na internet vários modelos de contratos de cessão de uso de imagem que podem ser utilizados nessas situações. O uso não comercial da imagem, a fotografia de pessoas em locais públicos ou celebridades parece ainda ser objeto de controvérsia, já que as leis não abordam especificamente esses pontos.

É fundamental ao fotógrafo profissional ou que queira se profissionalizar o conhecimento dessas leis, seja para garantir que seus direitos sejam respeitados no exercício de sua atividade como para saber os limites que a fotografia têm, como a questão do uso da imagem alheia. Vale a pena conferir as leis na íntegra e acompanhar o processo de revisão da lei de direitos autorais para saber como isso pode afetar o seu trabalho.

Entrei no site do RT e a primeira boa notícia: gratuito. Baixei, instalei e abri um lote de fotos. Fiquei impressionado com a interface inteligente e completa, junto com uma grande quantidade de recursos, bem mais do que o do meu antigo conversor. O programa inclui vários comandos para equilíbrio de tons e luminância (e curvas separadas para esses dois ajustes), misturador de canais, recuperação de altas luzes, redução de ruídos, ajuste de nitidez e diversos outros recursos que são comuns aos conversores, mas dispostos de uma maneira bastante acessível e fácil de utilizar.

Interface do RT

Ele não é tão completo em relação às operações de lote como o Lightroom, e vem apenas com dois perfis de ajustes de fábrica (não tem todos aqueles padrões bregas do LR). Mas é possível salvar os perfis e aplicar a um lote de fotos, agilizando o trabalho, especialmente para profissionais. Resumindo, é um conversor decente, com opções avançadas numa interface simples de usar. A versão atual é a 2.4.1, mas o Guaracy já deu a dica de que vem aí a 3.0. O RT passou a ser minha opção para tratamento dos RAWs, e em contrapartida já fiz uma doação através do site, um ótimo modelo de comercialização de programas, diretamente com o autor.

Para saber mais, é só acessar o site o RawTherapee.

Tão importante quanto aquilo que é mostrado, é também aquilo que opta por não se mostrar. O que está fora-do-quadro pode ser apenas inferido, imaginado, suposto. Esse jogo entre o que há e o que não há, entre o que é mostrado ou não, entre o claro e o obscuro, quando bem explorado, pode criar trabalhos extremamente interessantes ou instigantes. Nem sempre vale a pena mostrar tudo, de forma explícita.

Fica claro que há poucos aspectos técnicos envolvidos. Um deles pode ser a distância focal. As mais curtas, com maior ângulo de visão, permitem incluir mais elementos no quadro, criando um recorte mais amplo. Já as lentes mais longas levam a enquadres mais fechados, caracterizando um corte mais agressivo. O recorte não precisa ser pensado antes da captura ou se subordinar à distância focal da lente. O fotógrafo pode, através de programas de edição de imagens, realizar o recorte que quiser a partir de um arquivo gerado pela câmera. Abaixo seguem alguns exemplos de fotografias em que há o jogo entre o que é mostrado e o que está fora-do-quadro.

Aurelio Asiain

Conor Ogle

purplemattfish

Romolo Milito

Laura Burlton

Podemos abordar, como exemplo, uma questão simples. As câmeras fotográficas têm uma forma particular de lidar com o movimento. Projetadas para construir suas imagens a partir de frações ínfimas de tempo, a fotografia tem, geralmente, a característica de congelamento, necessário para produzir fotos nítidas e fáceis de entender. Quando não há condições para esse efeito de congelamento (e.g. falta de luz suficiente), o que está em movimento aparece na fotografia como um borrão.

Embora isso possa ser visto como um defeito, para o fotógrafo criativo, cabe menos falar em certo e errado e sim em entender as possibilidades da linguagem. A forma como a câmera mostra o movimento é um dos aspectos dessa linguagem, que pode ser explorado de acordo com a intenção do fotógrafo. Tecnicamente, o procedimento é simples: basta aumentar o tempo em que o obturador fica aberto. Quanto mais tempo, mais fluídas parecerão as passagens perante a lente. Em câmeras com modo manual, basta selecionar o modo T ou Tv e especificar velocidades a partir de 1/30, dependendo da velocidade do movimento.

Como as imagens falam mais de mil palavras, podemos exemplificar, com algumas fotos, como é possível tornar essa característica da fotografia num elemento compositivo da linguagem. Nas imagens abaixo, a preocupação com a semelhança com a realidade é pequena. Por outro lado, percebe-se claramente o trabalho do fotógrafo na construção de uma mensagem visual, em que a técnica foi utilizada com esmero em função da sua intenção.

Jon Martin

tricky ™

Camil  Tulcan

it’s life

Marcus Mayer

A técnica é o input, ou seja, o conjunto de instruções que damos ao equipamento, a forma de operar a máquina. Essa máquina pode ser a câmera fotográfica, um equipamento de iluminação ou um computador realizando o pós-processamento. Geralmente, quando se fala de técnica fotográfica, o assunto é a manipulação da câmera, notadamente ajustes de abertura, velocidade, ISO, distância focal, entre outros.

O que eu percebo é que a técnica é vista de forma distorcida, de diversas formas. Uma delas é a sobrevalorização. Acredita-se que saber fotografar é igual a dominar o input, ou seja, a apertar os botões.  Confunde-se o domínio da operação do equipamento com o domínio da fotografia como um todo, e frequentemente o fotógrafo amador se frustra ao conhecer todos os aspectos técnicos mas ainda assim não conseguir produzir fotografias de qualidade. Geralmente os cursos, sites e fóruns de fotografia destacam muito o desenvolvimento da operação do equipamento, deixando de lado outros aspectos do fazer fotográfico que são tão ou mais importantes do que a técnica.

Akshay Mahajan

Outro aspecto no qual ocorre distorção é a dicotomia entre técnica e criatividade. Acredita-se que existe uma técnica correta, única, e portanto limitadora de um fazer mais criativo. Algumas pessoas valorizam a não-técnica como uma expressão mais livre. No entanto, se há fotografia, é porque houve input. Se há input, há técnica. Mesmo que o input seja apertar o disparador segurando a câmera numa determinada altura virada para uma determinada direção, há algum técnica. Não se pode fugir disso.

Uma vez que a falácia da técnica correta é amplamente difundida, é natural que alguns fotógrafos busquem fugir disso, usando técnicas “erradas”. No entanto, essa é uma armadilha e o resultado provavelmente será tão inócuo quanto os obtidos pelos fotógrafos esmerados em produzir uma foto tecnicamente perfeita. Continua-se obedecendo cegamente a um preceito técnico, só que de forma inversa.

Camil Tulcan

Se considerarmos que: a) sempre existirá uma técnica; b) não há técnica correta e c) a técnica não é é limitadora da criatividade, qual o real lugar da técnica na fotografia? A técnica, o modo de fazer, a operação, o input, são importantes, mas devem ser secundários e subordinados à intenção do fotógrafo, à ideia, à motivação que leva ao ato fotográfico. A técnica deve ser aliada do desejo do fotógrafo em expressar algo que está no mundo.

Se a ideia é apenas mostrar algo que existe, aquilo que é tido como técnica “correta”, que faz com que a fotografia seja bastante parecida com a realidade, é suficiente. Se a ideia é mostrar bagunça, movimento, então pode-se usar procedimentos para gerar fotos borradas, sobrepostas. Sensações de amplitude ou achatamento são obtidas através do uso de distâncias focais mais curtas ou longas. Subexposições ou superexposições são úteis para criar certas atmosferas de escuridão ou grande luminosidade. Ou seja, a fotografia apresenta uma enorme gama de possibilidades de expressão. Para isso, no entanto, o carro não deve ser colocado na frente dos bois, e os recursos técnicos não podem ser vistos como fim em si mesmos. Quando se consegue estabelecer um processo criativo em que se sabe o que quer e a técnica é bem empregada a fim de se obter aquilo que quer, os resultados são melhores e a fotografia se torna um processo mais completo e integrado.

Estou considerando latitude como a faixa de luminosidade em que há captura de detalhes pela câmera, ou seja, em que se percebem gradações de sombras, sem áreas de estouro ou sombra completos. Em um programa de edição de imagens, pode-se optar por obter informações da foto na passagem do mouse. Áreas em que os canais aparecem como 0, 0 e 0 ou 255, 255 e 255 estão fora da latitude da câmera.

Diz-se, então, que as câmeras digitais tem uma latitude pequena, o que significa que em cenas com uma variação muito grande de luminosidade, diversas áreas aparecerão como sombras ou estouros completos, reduzindo o nível de detalhes observados. No entanto, sempre tive a impressão de que isso não seria uma verdade absoluta, considerando a fotografia em RAW.

Tomemos como exemplo a imagem acima. Fiz essa foto numa situação de contraste bastante alto. Sol de verão quase a pino e diversas áreas de sombra. Com ajustes conservadores na conversão do RAW, temos plena legibilidade tanto na área de sombra quanto na área de luz.  Da área central para a parte ensolarada, havia uma diferença de cerca de 6 pontos de luz, bem administrados pela máquina. Houve perda de detalhes nas àrvores do lado esquerdo, ao fundo e no carro branco a direita. Ambos ficaram fora da faixa em que a câmera conseguia capturar detalhes. Provavelmente a variação de luz de uma dessas áreas para a outra superaria os 10 pontos.

A questão é: como seria se eu tivesse mais latitude? Se fosse o caso, a câmera teria que espremer mais gradações de luz dentro do espectro de 255 variações para cada canal de cor. E de fato temos essa latitude: podemos, na conversão do RAW, ganhar detalhes nas áreas de sombras e altas luzes. Ou seja, a câmera tem capacidade de gerar arquivos com ainda mais flexibilidade do que o apresentado acima. O problema é que uma imagem com maior latitude e mais detalhes sairia com contraste mais baixo, como a versão seguinte:

Percebe-se claramente o ganho de detalhes, especialmente nas áreas mais escuras. No entanto, a foto ficou com um aspecto artificial e desbotado, sem graça. Esse ganho pode ser útil e interessante em algumas aplicações específicas, como fotos de paisagens. Mas no geral, não é interessante. Isso me leva a pensar que as câmeras digitais têm sim uma boa latitude quando usamos RAW — e a máquina em questão é uma velhinha e simplória K100D. Contudo, essa latitude extra geralmente é descartada por uma questão estética, de aspecto natural da cena e do impacto através do contraste. Adicionar contraste, que é uma prática comum, significa, de certa forma, diminuir a latitude. Será que faz sentido, então, reclamar da suposta falta de latitude das digitais, se essa falta não é tão grande assim e se mesmo o que já se tem hoje não costuma ser usado?

Essa é a minha visão extremamente prática. Acho bem provável que possam ser citadas situações em que essa suposta maior latitude seja extremamente útil, bem como sejam mostrados trabalhos em que se pode conjugar maior latitude com uma boa resolução estética. E há também todas as questões técnicas sobre as quais tenho pouco conhecimento para abordar, portanto esse texto fica totalmente aberto (e dependente) para comentários  de quem puder contribuir com essas questões.

Antes de mais nada, é preciso entender que as câmeras digitais fotografam em dois formatos o 3×2 e o 4×3 (algumas também fazem imagens em 16×9, mas como essas são mais digiridas à visualização em TVs e monitores widescreen, não vamos nos ater a ele). A proporção 3×2 significa que para três centímetros que se tem no lado maior, haverá 2 no lado menor. É o formato utilizado pelas câmeras de filme e pela maior parte das câmeras digitais reflex e profissionais. Já o formato 4×3 tem, para cada quatro centímetros no lado maior, três do lado menor. É uma proporção mais “quadrada”, presente na maior parte das câmeras compactas e algumas reflex, como as da Olympus.

Sabendo disso, é preciso identificar qual o formato que a sua câmera utiliza. Algumas permitem que se escolha a proporção, então você pode selecionar essa opção através dos menus. Outras não tem essa facilidade. Para saber se a sua câmera fotografa em 3×2 ou 4×3, abra uma pasta que contenha alguma das suas fotos. Passe o mouse por cima dela, e o Windows lhe informará a resolução. Caso não apareça, clique com o botão direito em propriedades e detalhes avançados. Divida o número maior de pixels pelo número menor (por exemplo, 3008 por 2008). Se o resultado for próximo de 1,5, sua câmera fotografa em 3×2. Se for próximo de 1,33, sua câmera fotografa em 4×3.

A partir daí, você pode escolher o tamanho de papel que melhor se ajusta ao formato que a sua câmera produz. Abaixo há uma tabela com os tamanhos mais comuns separados pelo formato mais adequado. Tomei como referência o laboratório Capovilla, que tem alguns tamanhos muito interessantes que não estão disponíveis em outros lugares, como o 12,7 por 19cm, ótimo para uma ampliação no formato 3×2.

O que podemos ver na tabela é que o formato 3×2 tem mais opções para impressões em grandes tamanhos. Mas é bom lembrar que há aí uma padronização. Nesses casos, nada impede de fazer uma impressão que gere faixas brancas e pedir para que o laboratório as refile. Mas outra coisa importante é que muitos tamanhos populares, como o 13×18 (arredondando), o 15×21 e o 25×30 não são adequados para nenhum dos dois formatos, gerando cortes ou perdas em ambos.

Outra informação importante é que poucos tamanhos se adaptam exatamente ao formato da foto. Na maior parte dos casos, será preciso algum tipo de corte, ainda que de milímetros. A melhor forma é enviar para o laboratório já no tamanho certo, para que você decida sobre o corte e não o laboratorista. A ferramento crop do Photoshop permite inserir o tamanho do papel em centímetros, gerando um arquivo no tamanho adequado.

O ângulo de visão é determinado pela distância focal da lente (o número descrito em milímetros, como 50mm, 200mm, 18-55mm). Quando a lente apresenta apenas um número, se trata de uma lente fixa, ou prime, que sempre tem o mesmo ângulo de visão. Uma lente com distância focal variável (como 28-200mm) abre ou fecha o campo de visão de acordo com o desejo do usuário: são as chamadas lentes zoom.

Na época do filme, havia uma lente que servia à grande maioria dos propósitos, justamente por se encaixar no conceito de lente normal: a 50mm. Além de ser uma normal, as 50mm sempre foram baratas, claras e com boas fórmulas óticas, permitindo fotografia de qualidade e versatilidade a um baixo custo. A maior parte das câmeras mecânicas de filme já vinham de fábrica com uma lente 50mm.

No entanto, para determinar a distância focal da lente normal, é preciso considerar o tamanho do fotograma, ou seja o tamanho do quadro do filme em que a foto será feita ou, no caso das digitais, o tamanho do sensor. Ao medir a diagonal desse quadro, teremos uma distância em mm que corresponderá à distância focal normal da lente. Um filme 135 tem o fotograma de 24x36mm. A sua diagonal é de 43,3mm. Portanto, a normal numa câmera de filme convencional é uma lente que tenha cerca d 43,3mm como distância focal. As objetivas de 50mm foram adotadas como normais pelo criador da Leica, pois naquela época com 50mm era possível produzir lentes com melhor qualidade, especialmente no que se refere à nitidez.

Hoje as 50mm ainda são boas, bonitas e baratas. E ouço muita gente falando que elas são extremamente versáteis por serem normais. Só que há um engano aí, pois o tamanho do sensor da maior parte das câmeras digitais reflex não é o mesmo do filme, e sim um pouco menor. O sensor APS, como é chamado, mede 16,7×25,1mm, com uma diagonal de 30,1mm. Ou seja, numa reflex digital, a versatilidade de uma lente normal será obtida com uma objetiva de 30mm, não de 50mm. Nessas câmeras, a 50mm é, na verdade, uma teleobjetiva.

E esse é um dos grandes problemas do sistema APS: não termos mais uma lente boa e barata para funcionar como normal. As lentes da faixa dos 35mm, que cumprem essa função no sistema digital não são tão boas nem tão claras quanto as 50mm (e quando são claras, são caríssimas). Portanto, para ter um ângulo de visão normal, temos que recorrer às lentes zoom, geralmente piores na ótica e bem mais escuras ou a uma objetiva prime na faixa dos 30mm com boa qualidade óptica.

Eu optei por uma solução boa e barata: uma objetiva Mir 1V (ou Mir 1B, se considerar o B cirílico), para o sistema M42 que uso na minha câmera com adaptador. Como ela tem uma distância focal de 37mm, obtém-se um ângulo mais próximo do que seria o normal no sensor APS. Além disso, a lente é extremamente nítida e relativamente clara (f/2.8). Os pontos negativos são o foco manual e uma vulnerabilidade a flares, requerendo o uso de parassol. A Mir 1V, ainda fabricada, custa menos de 50 dólares no eBay e vem num bizarro pote estilo tuppwerware. Algumas fotos feitas com a lente em uma Pentax K100D (clique para ver maior):

Fontes
Wikipedia
M42

Com as câmeras digitais reflex mais simples, isso piorou bastante. Ficamos na total dependência do foco automático. Para quem gosta de usar lentes manuais, as Pentax até oferecem uma boa compatibilidade e o sistema de foco da câmera avisa quando o objeto está focado. Só que esse sistema não é muito preciso, ainda mais quando estamos usando grandes aberturas, que levam a uma profundidade de campo reduzida. Como tenho 3 lentes claras de foco manual, estava sofrendo muito com isso.

Resolvi então comprar um novo despolido, vendido no eBay por 28 dólares (incluindo frete). A peça vem de Hong Kong já com o material necessário para que o próprio usuário realize a troca, como mostram as fotos abaixo.

Para fazer a instalação, é preciso remover a presilha metálica que suporta o despolido, como pode ser visto na foto abaixo. Para isso se utiliza a pinça de metal.

Depois que a presilha é liberada, o despolido fica solto. Basta usar a pinça plástica para retirar um e colocar outro. Não se deve usar a pinça metálica pois ela pode riscar a peça.

Em seguida, é só pressionar a presilha com o despolido de volta para o lugar com o dedo.

A instalação está pronta. A nova peça não atrapalha o autofoco e permite um foco manual bem mais preciso, pois contém microprismas e um bipartido, que permitem conferir o foco. Veja como é o aspecto da peça instalada.

E um teste prático. Fazendo o foco…

E o resultado, foto com foco preciso mesmo usando uma lente manual em f/1.4.